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*Este viernes nos trae estrenos de mujeres que ponen sus voces al servicio de canciones sensibles, reflexivas y que, al son de diferentes géneros, nos invitan a sentir poder y emoción.*

Una de las propuestas es el lanzamiento del trío **Passiflora** con su **“Jacarandá”** cargado de valor y emotividad. Sobre una base folklórica en fusión con el rock, la voz de **Paty Latorre** suena etérea y sutil. Ella nos invita a conocer la historia de amor con un arbolito.

Por su parte **Raven** nos presenta su primer EP denominado **“Reborn”** (Renacida) que se compone por seis canciones en las que ella pasea su magnética voz. Tras el nombre de Raven, la rapera y cantante **Ingrid Fernández** persigue sus sueños al compas de ritmos como R&B, hip hop, salsa y más.

En esta nota te invitamos a conocer las historias detrás de estas creaciones, de la mano de los pensamientos de sus propias protagonistas.

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**Raven (Ingrid Fernández)** es una cantante compositora de nacionalidad paraguaya y oriunda de Ciudad del Este / Alto Paraná. 

Desde pequeña estuvo influenciada por el universo de la música ya que estudió guitarra y vocalización. Realizó covers de artistas que le gustaban en ese momento hasta que empezó a componer lo que iba sintiendo y de lo que pensaba de las situaciones que le sucedían, ya que tenía la dificultad de expresarse con los demás. Le facilitaba escribir y cantarlo. 

Siempre su sueño fue tener su propio proyecto porque sentía que tenía mucho por decir y por dar, entonces se enfocó en lo que quería lograr. Por lo que además de desarrollar el dúo de rap **Las Hijas de la Alquimia**, ahora se lanza con su proyecto independiente con el que se nombra Raven.

El EP **“Reborn”** se compone por seis canciones y lanzó con él el videoclip del primer tema: **“You Are My Light”,** por el transfondo de la canción que va en memoria de su hermana Sandivel. “Crear la canción fue muy liberador y sentimental para mí. Me costaba enfrentar y exteriorizar eso que sentía al respecto. Me costó mucho soltar y entender que somos seres cíclicos, que trascendemos, que hay tantas cosas que no vemos y no agradecemos en nuestro día a día”, expresó Ingrid.

Observó que como humanos “enfocamos nuestra atención y energía, a veces, en cosas que no nos hacen bien, y debemos de hacer el esfuerzo de intentar soltar los que nos daña y sanar en el proceso. Nadie está preparado para perdidas así, es complicado, pero sí podemos buscar la manera en cómo sanar, perdonarnos y procesar eso que estamos sintiendo. Nuestra salud mental, emocional y fisica se complementan, son muy importantes para que podamos continuar en nuestro día a día sin dañarnos a nosotros mismos y a nuestro alrededor”. 

Es por ello que ella busca generar diferentes emociones a través de cada canción, melodías y composiciones. “Que pueda llegar a cada ser ese sentimiento y emoción que le pongo al crear algo”, planteó.

La artista contó que para el desarrollo del EP se basó en diferentes situaciones de su vida “ya que la musica me sacó de un pozo muy profundo en el que estaba”, sentenció. A ella la música le ayudó “a entender muchas cosas de lo que estaba sintiendo, donde me dí cuenta que es el lugar donde me siento bien y que esto quiero para mi crecimiento individual, profesional”. 

Exteriorizó que si lo llamó “Reborn” fue por esos motivos. “El arte tiene un fuerte poder de hacernos renacer, de brillar, de poder confiar en la capacidad de uno mismo para lograr las cosas, nos da esperanza, nos ayuda a ver todo desde una perspectiva distinta a los demás”, señaló.

En este viaje ella surfeó las olas de los géneros musicales que más la identifican por lo que, considera, eso hace más interesante a su trabajo. “Me encanta eso del productor Martín Mosqueira, con el que trabajamos, porque siempre te sorprende con algo distinto, nunca es predecible lo que se viene, pero diría que es una mezcla de R&B, hip hop, salsa y más”.

“Hay mucho aún que ver alrededor, hay mucho que aprender, disfrutar y abrazar los procesos”, cerró Ingrid para quien todo este camino es como un renacer.

**Ficha técnica**

Composición: Ingrid Fernández.

Producción y master: Martín Mosqueira.

Colaboración: Marcelo Ortigoza, Walter Rodríguez y Diego García.

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**Passiflora** es una banda conformada actualmente por **Paty Latorre (voz y guitarra), Diego Peña (batería) y Ángel Crosa (guitarra y voz)** nacida en agosto de 2019 desde el concepto de “conectar un poco más con nuestra naturaleza a través del sonido”. 

A partir de su formación han realizado y participado de diversos conciertos por Asunción, San Bernardino, Areguá y Formosa, también coordinado eventos con la intención de hacer crecer las redes entre artistas de la escena.

Esta vez están de estreno con **“Jacarandá”,** una “canción de amor para un arbolito, influenciada por el folklore local, fusionando influencias del rock”, al decir de Paty Latorre.

“Creemos que con todo lo que hacemos en parte estamos tratando de sensibilizar un poco al mundo. De alguna manera esperamos que “Jacarandá” recuerde a algún arbolito compañero que tenés o tuviste. Tal vez si sos una persona que no tiende a fijarse tanto en esas cosas, que empieces a notar tu entorno y te sientas un poco más conectado a eso”, es lo que nos expresó la artista.

“Lanzar “Jacarandá” es para nosotres como volver a presentarnos al público. Es volver a decir “hola” después de un largo rato de no vernos en conciertos y de haber pasado por todo el proceso de grabar este material de forma autogestiva, cosa que no fue tan fácil. Desde hacer maquetas en casa hasta terminar en un estudio y aprender sobre la marcha”, mencionó también la cantante y compositora sobre esta canción que quieren que el oyente descubra.

**La historia de Jacarandá (Por Paty Latorre)**

Una canción de amor para un arbolito que tenía que romper todo para no morir asfixiado.

Hace dos años, desarrollé un vínculo con un Jacarandá, que un poquito como nosotres, creció en un espacio donde sus raíces estaban un poquito atrofiadas.

Lo miraba todos los días y pensaba en que por mí ignorancia, al querer trasplantarlo seguramente lo iba a matar.

En un deseo de que el árbol impusiera su presencia rompiendo la pared, lo dejé crecer en ese espacio, en donde luego llegó a ser tan alto que las tormentas empezaron a tumbarlo. Y yo, rehusándome a decirle adiós tan pronto, lo ataba con soga a mi balcón para que se mantuviera erguido.

Un día planté flores donde él crecía, casi como dejándole una ofrenda o casi cual velorio, porque fue el mismo día que vi que al contrario de mis deseos, el árbol más que romper la pared y el piso, estaba enraizando horizontalmente. Con muy poca fuerza para sostenerse, pero suficiente para mantenerse con vida y seguir conmigo.

Sí, conmigo. Era mi amigo. Mi espejito.

Ya acepté que no nos quedaba mucho tiempo, porque cada vez era más alto pero sus raíces eran frágiles y las tormentas cada vez más fuertes.

Entonces, llegó el día en que el arbolito se cayó y yo ya no pude encontrar la forma de mantenerlo en el mismo lugar. Tenía que intentar trasplantarlo, con los pocos conocimientos que tenía. Para ese momento, ya era un árbol pesado, alto, frondoso.
Lo llevé conmigo al fondo de mi casa de aquel entonces. El día era frío y la tierra estaba mojada.

Mis pies estaban descalzos y fingía estar tranquila mientras con la pala abría un hoyo lo suficientemente grande para su frágil raíz.

Estiré sogas que se ataran a otros árboles amigos en ese jardín, les pedí que ayudaran a su compañero.

Algo en mi soñaba de que ese Jacarandá siga con vida, pero pasaron los días, pasaron semanas y yo solo después de 3 meses de tenerlo ahí, secándose, acepté que se había ido.
Lo quitamos de la tierra y lo cortamos en pedacitos con una amiga.

Dentro de él, ella encontró una oruga viviendo.

Y nos reímos porque creíamos que estaba muerto.

Solo se había convertido en hogar.

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**Ficha técnica**

Composición, voz y segunda guitarra: Paty Latorre

Arreglos: Passiflora

Batería: Diego Peña

Primera guitarra y voces: Ángel Crosa

Producción: Andrés Ortiz y Audio Hertz

Ilustraciones: Carmela Caballero

Fotografía: Lara Loncharich

Prensa: Stefy Ramírez

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Lanzamientos musicales #6

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Ayer se realizó la premiación de los American Music Awards 2021 que tuvo como presentadora a la rapera Cardi B, en el Microsoft Theater, en Los Ángeles, California. 

La ceremonia que premia lo mejor de la música hecha en todo el continente americano, tiene la diferencia de que es la gente la que elige a los ganadores. Esta vez los grandes ganadores de la noche fueron los BTS, quienes arrasaron en las principales categorías.

En nuestro Instagram nosotras elegimos a quiénes podrían ser los ganadores y aquí te compartimos la lista completa de ganadores.


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**Artista del año**

Ariana Grande

**BTS**

Drake

Olivia Rodrigo

Taylor Swift

The Weeknd

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**Artista Revelación del Año**

24kGoldn

Giveon

Masked Wolf

**Olivia Rodrigo**

The Kid LAROI

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**Colaboración del Año**

24kGoldn ft. iann dior “Mood”

Bad Bunny & Jhay Cortez “DÁKITI”

Chris Brown & Young Thug “Go Crazy”

**Doja Cat ft. SZA “Kiss Me More”**

Justin Bieber ft. Daniel Caesar & Giveon “Peaches”

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**Mejor canción “tendencia”**

Erica Banks “Buss It”

Måneskin “Beggin’”

**Megan Thee Stallion “Body”**

Olivia Rodrigo “drivers license”

Popp Hunna “Adderall (Corvette Corvette)”

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**Mejor Videoclip**

Silk Sonic (Bruno Mars, Anderson .Paak) “Leave The Door Open”

Cardi B “Up”

**Lil Nas X “MONTERO (Call Me By Your Name)”**

Olivia Rodrigo “drivers license”

The Weeknd “Save Your Tears”

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**Mejor Artista Pop Masculino**

Drake

**Ed Sheeran**

Justin Bieber

Lil Nas X

The Weeknd

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**Mejor Artista Pop Femenina**

Ariana Grande

Doja Cat

Dua Lipa

Olivia Rodrigo

**Taylor Swift**

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**Mejor Dúo o Grupo Pop**

AJR

**BTS**

Glass Animals

Maroon 5

Silk Sonic (Bruno Mars, Anderson .Paak)

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**Mejor Álbum Pop**

Ariana Grande “Positions”

Dua Lipa “Future Nostalgia”

Olivia Rodrigo “SOUR”

**Taylor Swift “evermore”**

The Kid LAROI “F*CK LOVE”

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**Mejor Canción Pop**

**BTS “Butter”**

Doja Cat ft. SZA “Kiss Me More”

Dua Lipa “Levitating”

Olivia Rodrigo “drivers license”

The Weeknd & Ariana Grande “Save Your Tears (Remix)”

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**Mejor Artista HipHop Masculino**

**Drake**

Lil Baby

Moneybagg Yo

Polo G

Pop Smoke

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**Mejor Artista HipHop Femenina**

Cardi B

Coi Leray

Erica Banks

**Megan Thee Stallion**

Saweetie

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**Mejor Álbum HipHop**

Drake “Certified Lover Boy”

Juice WRLD “Legends Never Die”

**Megan Thee Stallion “Good News”**

Pop Smoke “Shoot For The Stars Aim For The Moon”

Rod Wave “SoulFly”

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**Mejor Canción HipHop**

**Cardi B “Up”**

Internet Money ft. Gunna, Don Toliver & NAV “Lemonade”

Lil Tjay ft. 6LACK “Calling My Phone”

Polo G “RAPSTAR”

Pop Smoke “What You Know Bout Love”

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**Mejor Artista R&B Masculino**

Chris Brown

Giveon

Tank

**The Weeknd**

Usher

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**Mejor Artista R&B Femenina**

**Doja Cat**

H.E.R.

Jazmine Sullivan

Jhené Aiko

SZA

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**Mejor Álbum R&B**

**Doja Cat “Planet Her”**

Giveon “When It’s All Said And Done... Take Time”

H.E.R. “Back of My Mind”

Jazmine Sullivan “Heaux Tales”

Queen Naija “missunderstood”

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**Mejor Canción R&B**

**Silk Sonic (Bruno Mars, Anderson .Paak) “Leave The Door Open”**

Chris Brown & Young Thug “Go Crazy”

Giveon “Heartbreak Anniversary”

H.E.R. “Damage”

Jazmine Sullivan “Pick Up Your Feelings”

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**Mejor Artista Latino Masculino**

**Bad Bunny**

J Balvin

Maluma

Ozuna

Rauw Alejandro

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**Mejor Artista Latina Femenina**

**Becky G**

Kali Uchis

Karol G

Natti Natasha

Rosalía

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**Mejor Álbum Latino**

**Bad Bunny “El último tour del mundo”**

Kali Uchis “Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios)”

Karol G “KG0516″

Maluma “Papi Juancho”

Rauw Alejandro “Afrodisíaco”

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**Mejor Canción Latina**

Bad Bunny & Jhay Cortez “Dákiti”

Bad Bunny x Rosalía “La noche de anoche”

Farruko “Pepas”

**Kali Uchis “telepatía”**

Maluma & The Weeknd “Hawái (Remix)”

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**Mejor Artista Rock**

AJR

All Time Low

Foo Fighters

Glass Animals

**Machine Gun Kelly**

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**Mejor Artista “Inspiración”**

Cain

**Carrie Underwood**

Elevation Worship

Lauren Daigle

Zach Williams

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**Mejor Artista Góspel**

**Kanye West**

Kirk Franklin

Koryn Hawthorne

Maverick City Music

Tasha Cobbs Leonard

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**Mejor Artista Dance/Electrónico**

David Guetta

Illenium

**Marshmello**

Regard

Tiësto

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American Music Awards 2021

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Fieles a la diversidad musical que militamos, hoy te traemos tres propuestas que visitan diferentes campos sonoros.

Las mentes de estos tres proyectos que forman parte de esta nota contaron a Cultura Blend sobre las inspiraciones detrás de cada creación y lo que les motiva a seguir descubriendo y explotando la curiosidad.

Si hay algo que estas propuestas tienen en común es que sus respectivos líderes formaban parte antes de proyectos completamente diferentes a lo que hacen ahora. Los tres han dado un giro a su estética pero porque ya sentían esa inquietud de querer expresarse a través de otros estilos y de seguir explorando a la música en todo lo que posible.

Hoy les presentamos **“La trampa”, de Gustavo Gómez; “Empezar de cero”, de Cielo Ámbar feat. Belén Pinto, y “Otra mañana”, de Ch13 feat. Ale Portillo.**


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El cantautor y guitarrista paraguayo Gustavo Gómez vuelve a estar de estreno con su nuevo sencillo llamado “La trampa”.

Tras un largo recorrido en la escena del rock con las bandas **Morgana595 y Vertical Ocean**, y teniendo en su haber cuatro discos de estudio con las citadas agrupaciones además de colaboraciones en otros proyectos musicales, se encuentra ahora en medio de este proyecto solista, el cual tiene como premisa el desafío de incursionar en distintos estilos poco explorados en sus trabajos anteriores.

En esa línea **"La trampa"** es el segundo sencillo del proyecto solista y nace de la idea de hacer participar a los seguidores de las redes sociales en la creación de las canciones. “En este caso, votaron por la composición de una canción con elementos electrónicos, lo cual dio origen a la canción que tiene varios elementos del synth-pop”, comentó Gustavo.

“La canción fue escrita dejando revelar el ambiente sensual en la que se mueve, pero buscando que el oyente le de su propia interpretación en base a su propia experiencia”, explicó sobre este tema en el que se utilizaron voces, guitarras, bajo, batería, teclados y diversos elementos de la música electrónica.

Gómez confirmó que con esta segunda muestra se reafirma en el principal desafío de “explorar estilos, componer interactivamente con el público y tener como resultado excelentes canciones”.

**FICHA TÉCNICA**

Letra y música: Gustavo Gómez

Arreglos y producción artística: Len Cardozo

Voz: Gustavo Gómez

Guitarra y programación: Len Cardozo

Grabado en LC Studio en octubre de 2021

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Cielo Ámbar es el proyecto en solitario del bajista y compositor Hugo González, de bandas como Vertical y Aura. Pero en este nuevo recorrido se caracteriza por presentar canciones siguiendo un estilo “principalmente pop pero que se divierte jugando con los matices de muchos géneros”, según nos contó.

Con Cielo Ámbar lleva editados ya dos cortes promocionales llamados “Quisiera” en colaboración con María Quevedo, y “Viva”, con la voz de Sol Pérez. Ambas cantantes paraguayas. Este último lanzamiento llamado “Empezar de cero” cuenta también con una voz femenina, específicamente de Belén Pinto de Tribu Sónica.

Al respecto de la canción, Hugo recordó que la escribió aproximadamente en 2007, un tiempo después de que la banda Aura se disolviera. “Y trata de eso, de mirar para adelante y seguir”, confirmó. “Me gusta creer que cada canción tiene un significado diferente para todos porque los temas te tocan siempre en un estado de ánimo diferente, pero en general ‘Empezar de cero’ es un tema para festejar la conciencia de que tenés una nueva oportunidad y eso no se da muchas veces en la vida”, reflexionó.

En cuando a lo musical, reconoció que “tiene un montón de influencia de Paramore y bandas que escuchaba en la época”. Si estuvo guardada por mucho tiempo fue porque varios de sus temas tenían una identidad más pesada. Ahí formó Vertical con otros amigos hasta que empezó las producciones de Cielo Ámbar con Miky González, quien al principio se sumó como guitarrista pero actualmente ya no forma parte del proyecto.

Por otro lado, explicó que su sonido “es más bien digital, aunque este tema cuenta con varios recursos orgánicos como guitarras, bajos y baterías tocados por los amigos que participaron, entre ellos Guille Gayo de Flou en la batería”.

Asimismo, explicó que este tema es parte de un puñado de canciones que están aún por ser terminadas que podrían acabar siendo un álbum. “Me pone contento saber que después de tanto tiempo puedo mostrar otros matices de mi arte”, cerró.

**FICHA TÉCNICA**

Voz principal: Belén Pinto

Bajo: Hugo González

Batería: Guillermo Gayo

Guitarras y arreglos: Miky González

Mezcla y mastering: Juan Colman

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Ch13 es un cantante de música urbana quien sintió interés por el arte desde pequeño. Su vida se vio llena de expresiones como el órgano y la guitarra, sus primeros instrumentos. Estudió danza y teatro, y a los 16 años empezó a tocar el bajo. También estuvo en varios proyectos musicales dentro del rock y el metal nacional.

Ahora lanza “Otra mañana”, en colaboración con la cantante Ale Portillo. Ch13 explicó que esta canción “trata de plasmar el sentir y el cómo se lidia ante la traición de seres queridos”, mientras se pasea sobre el trap. 

Este es el segundo corte que será parte de un EP llamado “Emociones” que, para él, “resume el sentir de una generación”, y abordará también estilos como el pop punk, R&B y reggaetón.

Para él representa “una gran satisfacción de que por fin vea la luz y el mundo” este proyecto en el que viene trabajando hace un año.

**FICHA TÉCNICA**

Grabado en: Sajonia Studio

Producido por: David Moreno

Mezcla y Master: David Moreno

Letra: Ch13

Beat: JFran (argentino)

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Lanzamientos musicales #5

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Hoy presentamos dos bandas prometedoras. Una de Encarnación y una de Asunción, lo que nos lleva a confirmar que el talento y la inventiva están regados por todo nuestro país y que siempre es imprescindible escuchar todo lo que hay afuera.

En una especia de salto mortal pasamos de un estilo a otro. **Kure Aña, los Cerdos Malignos del Sur,** nos proponen un sonido crudo y potente con su sencillo **"Efímero".** Aunque el nombre haga alusión a algo pasajero, lo cierto es que el sonido de este cuarteto quedará retumbando en tu cabeza y en ese caso será la música la que nos conecte con el infinito.

Los chicos de **La Síntesis de Huxley,** desde Asunción, nos confirman que sigue vigente esa exploración de sonidos como el dream, el synth y el indie rock, que tanto nos gustan. Ellos se animaron a lanzar un EP en el que bucean en, literalmente, la profundidad de los sentimientos y las emociones humanas. Un lindo descubrimiento que abraza las corrientes del pop y se mete a indagar en cómo atravesamos lo que sentimos por dentro.

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Kure Aña (en guaraní Cerdo Maligno) es el nombre de la banda encarnacena que está de regreso con el sencillo **“Efímero”,** tras haber lanzado en 2017 el álbum **“Desde las sombras”.**

Ahora, la banda integrada por **Óscar Ramírez (vocalista), Leo Galeano (guitarra), Martín Jara (bajo) y Jorge Santa Cruz (batería),** asegura haber usado el tiempo a su favor para madurar y definir su sonido.

“Este single en particular es el primer tema después 4 largos años sin sacar ningún material, Supongo que fue un proceso en el cual nos tomamos el tiempo suficiente para madurar y definir bien nuestro sonido. Las letras se van dando sin presión, se van manifestando a medida que el tema va tomando forma, y en cada etapa de la banda va contando lo que vivimos en ella, lo que cada uno intenta expresar de la manera mas directa posible”, contaron.

Asimismo, aseguraron que su música “de alguna manera intenta decirnos algo positivo sea cual fuera el contexto o la situación en la que pudiéramos encontramos”. En ese caso “Efímero” hoy “representa el cambio en todo lo que veníamos buscando como banda”.

Reflexionaron que “este tema en particular divide el cambio entre lo eterno y lo fugaz, definiéndonos así como una línea de tiempo/instante siendo personas pasajeras, que solo aprovechando ese instante podemos hacer que todo sacrificio valga la pena”.


Para el sonido, detallaron que se habían fijado en “bandas de los 90 dentro de la escena del metal y la movida alternativa en general; también en bandas de la nueva ola del metal con ese sonido tan actual que hoy conocemos”. “Pero incluso con todo eso siempre fuimos abiertos a varios estilos musicales influenciándonos de algún modo. Este nuevo EP donde 'Efímero' es el primer corte de promoción nos adelantará ese sonido duro y pesado que estábamos buscando”, aseguraron.

Por tanto, reafirmaron su creencia de que este material les representa “de una manera distinta a la anterior, de una manera que se fue dando de forma muy natural y eso nos pone muy contentos. Estamos muy agradecidos con quienes nos ayudaron con este proceso”, cerraron.

El tema de géneros metal y metalcore fue mezclado y producido por **Carlos Dentice,** y masterizado por **Diego Serafini.** Los chicos resaltaron también el acompañamiento constante de su manager y técnico **Juanma.**

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A finales del año 2020 nacía en Asunción la banda **La Síntesis de Huxley,** conformada por **José Iván Ayala (compositor, cantante y guitarrista), Samuel Romero (teclas), Francisco Servín (guitarra Líder), Gabriel Peña (bajo) y Nelson Sostoa (batería).**

Ahora están de estreno con su primer EP denominado **“Ciclos”** en el que se desarrollan “sonidos provenientes del dream pop, synth pop e indie rock, influenciado por la nueva ola de artistas independientes, como por el synth pop de la década de los 80, mezclando la posibilidad sonora de cada sintetizador con la fuerza de las guitarras para una marcada definición de estilos”, según explicaron.

El EP contiene cuatro canciones que “reflejan distintos momentos de estados emocionales”, observaron. Por ello, expresaron que con los temas buscan “representar distintas situaciones o momentos emocionales como la tristeza y nostalgia **(Día Gris),** el deseo constante de finalizar una relación o vínculo **(Si estoy aquí),** una mirada un poco más optimista hacia el pasado y presente **(No creas que todo cambió)**, y por último una crisis de identidad y de las ataduras que cada uno tiene en la mente **(Antes de Caer).**

Además, confirmaron que este trabajo representa “un proyecto experimental que se propone grabar de manera totalmente independiente, en home studios y con equipos minimalistas, pero con lo necesario para obtener la esencia deseada”. En dicho marco explicaron que el EP “fue grabado enteramente en home studios, usando baterías programadas, sintetizadores virtuales, guitarras eléctricas bañadas en vibrato y chorus, bajo eléctrico y bajo sintético”.

Para ellos lanzar este trabajo “representa un gran primer paso para impulsar nuestras carreras artísticas que nos dejan con ganas de superarnos cada vez más”. 

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Lanzamientos musicales #4

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**Walter Cabrera** recuerda que tenía 11 o 12 años y un deseo irrefrenable de hacer música. Solo tenía una guitarra criolla y deseaba ese sonido que podría darle una guitarra eléctrica, pero sus padres no querían saber absolutamente nada. Por su cabeza sonaban bandas como **The Cure, The Police o Soda Stereo** y no podía dejar de pensar en el instrumento que él no podría costear. Mientras, sus primeros acordes los aprendió con la criolla tomando un curso en una iglesia cerca de su casa.

“Desde que yo recuerdo siempre me llamó la atención la música. Venía con ganas de tener una banda a los 14 o 15 porque a Ariel Insfrán, guitarrista de Flou antes de grabar **“Ataraxia”**, le regalaron una guitarra eléctrica. Era mi compañero de colegio, me iba a su casa todos los días y era tocar todo el día con él. Después se puso a estudiar con Nene Barboza, guitarrista de Corrosión, y yo me colaba a veces porque no tenía plata para pagar un curso. Mi mamá y mi papá jamás en la vida me iban a pagar eso. **¿Guitarra eléctrica? ¡Nooo! ¿Rockero? ¡Jamás!”.**

“¿Qué querés por tu cumpleaños?” le dice en 1996 su madrina, Eloisa, sabiendo la obvia repuesta de Walter: guitarra eléctrica. Y él sabía específicamente la que quería: una **Ibanez RG270 negra** “rockera, metalera” que ya había averiguado que había en un local de Ciudad del Este. “Mi madrina me dice: “no puedo, porque si hago eso tu mamá y tu papá me van a odiar de por vida, entonces te voy a regalar plata y andá compra vos”, recuerda Walter.

Aproximadamente 100 dólares costaba esa guitarra en aquella época. Junto con un amigo Walter agarró viaje en el primer bus de la madrugada que los dejaría bien temprano en Ciudad del Este. Arribaron cerca de las 6 de la mañana y el centro estaba muerto, no sabían que la actividad iniciaba recién a las 9. “Nos vamos al local, miro a ver si estaba la guitarra y nos sentamos afuera a esperar. Desde la vitrina miraba si estaba la guitarra”, insiste, teniendo muy vívido el recuerdo de aquel momento que cambiaría su vida.

Tres horas se sentaron afuera. Esperaron hasta que por fin entraron y compró la guitarra. El viaje de regreso fue un constante cuidar el tesoro que traía en una gran caja. Al llegar a casa no había nadie quien le pare. “No tenía amplificador, enchufé por el equipo de sonido y empecé a tocar”. **El resto es historia y hoy Flou es una de las bandas más vigentes del rock paraguayo.**

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Pero para llegar a esa consolidación ha pasado mucho, desde un primer demo llamado "Despertar" en el año 2000, año que se cuenta como el inicio de la banda y que ya contenía canciones propias. Pero primero fueron a grabar una sola canción: **"Demente"** porque no tenían plata y todo lo costeaban de sus bolsillos. “Recuerdo que presentamos el demo en una cajita roja, le pusimos el logo de la banda, quiénes éramos y le llevamos a Leti Medina (periodista) quien tenía un programa en la Rock and Pop. Ahora escucho ese demo y me da vergüenza, pero es parte de la historia. Pero siempre inventamos cómo hacer las cosas”, expresa.

Comenzaron dando pequeños shows con la conformación de Walter Cabrera en voz, Bruno Ferreiro en guitarra, Federico Wagener en bajo, Ariel Sandoval en batería y Ariel Insfrán en guitarra. Para suerte de ellos ya arrastraban un público que iba a verlos gracias a que Bruno integraba antes la banda Turkish Blend. Tras la salida de Sandoval e Insfrán se incorpora Guille Gayo a tomar los palillos. Desde ahí queda consolidada la formación oficial y actual hasta hoy día de Flou.

En el año 2003 sale **“Ataraxia”**, su primer disco de estudio. Con esta gran carta de presentación bajo el brazo se fueron abriendo paso a pulso de esfuerzo y amor por la música.

“Siempre tuvimos eso. Si no hay hacemos, inventamos, creamos; si no pasa hacemos que pase. De entrada fuimos muy proactivos. No éramos muy buenos músicos, había gente mejor que nosotros”, piensa mientras recuerda que en ese momento no había un gran flujo de conciertos internacionales e incluso la escena nacional estaba un poco parada.

“Cuando empezamos a tocar la escena estaba en un bache, paró Gaudí, Deliverans tocaba muy poco, quedaba Raza que eran ex Ashborne, que después fue Paiko. Y nosotros hacíamos metal, algo como Korn, que era lo más nuevo, el estilo que acababa de aparecer en Estados Unidos. Y nos animábamos a hacer conciertos nosotros con dos parlantes gigantes, una consolita de 8 o 16 canales porque siempre dependía de tu presupuesto, cuatro micrófonos y así armábamos los shows en Mr. Jones o en la casa de alguien, el garage de alguien, ahí aprendimos a ser súper proactivos”.

En un momento vieron que no venían más tantas bandas internacionales y decidieron jugarse y traer a la banda argentina Cabezones. “Dijimos: no viene nada, no había nada con qué compararse”, expresa, por lo que gastaron entre él, Fede y Buda Marcet unos 14.100.000 guaraníes exactamente. Terminaron perdiendo en total 500.000 pero la experiencia ya no les robaba nadie.

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Remeras con el logo de la banda, grandes banderas, mochilas, tatuajes. Mucho de ello se vio desde muy temprano en los inicios del grupo de la mano de sus fanáticos. Este “fenómeno” como Walter califica, es para él algo “inexplicable”.

Un recuerdo indeleble para él es el primer Pilsen Rock en el que tocaron, específicamente la segunda edición en 2005. “Ustedes abren el show”, recuerda que les dijeron los organizadores. “Medio nos ofendió un poco, pero nos tragamos el orgullo”, dijo entre risas. Llegó el día y el festival que tenía en cartel a bandas como Paralamas, Ratones Paranoicos y Ataque 77 debía empezar. 

Eran cerca de las 4 de la tarde, ya había gente que iba llegando y alguien le dijo a Walter: “¿Viste la cantidad de gente con remeras de Flou que hay?”. “¿Remeras, qué remeras? Si nosotros no hicimos eso” fue su respuesta. Antes de tocar va a un costado del escenario a intentar ver y se encuentra con gente con remeras de Flou por todos lados. “Nadie podía creer. Ellos nomás hicieron, no sabíamos ni de dónde. Ahí empezamos a sentir que había algo raro, que pasaba algo más fuerte de lo normal y así fue creciendo eso”, afirma, para contar que también hubo grupos de personas que los siguió en giras nacionales por diferentes ciudades.

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El tiempo pasó y Flou logró consolidar su sonido, su camino y también su relación con sus seguidores, quienes encontraban en ellos a grandes seres humanos, siempre pisando tierra. Su historial ya cuenta con discos como **“Tácito” (2006), “Tanto y nada” (2010), el DVD “Instantáneas” (2012), “Universo Inverso” (2015), para llegar a “Encuentros Únicos” que terminaron de lanzar este año.**

“Nosotros entramos en la transición de lo análogo a lo digital. Empezamos todos a aprender juntos”, asegura sobre la transición a la era digital a la que supieron adaptarse. Ya desde “Universo Inverso” venían pensando en la digitalización y en las campañas de lanzamiento en redes sociales ya que “cada vez es más caro imprimir las copias de los discos”. El mencionado álbum fue el último que salió en físico pero ya al mismo tiempo en plataformas digitales. “Encuentros Únicos” es su primera exploración totalmente digital ya que los sencillos fueron saliendo unos tras otros hasta completar todo el álbum.

Walter reflexiona también que claramente antes todo costaba mucho más y que hoy en día las nuevas bandas tienen muchas más oportunidades y facilidades por lo que deben saber aprovechar su buen nivel. “Hoy en día hay muy buen nivel en bandas que empiezan. Ya no veo bandas que empiecen como cuando nosotros empezamos, que fuimos aprendiendo por el camino o que los ingenieros practicaban con nosotros. Hoy hay mucha más data, hay miles de tutoriales que te ahorran muchísimo camino para llegar al sonido que uno quiere por lo que hoy en día las bandas arrancan a un nivel mucho más alto”.

“Antes era más difícil también sonar en un medio sobre todo para nosotros que éramos rock pesado. El único lugar casi era la Rocka o alguna radio del interior. Ahora tenés más estilos también, hay trap, reggaetón, solistas, dúos, un montón y se hacen muy bien”, precisa el músico quien rememora los tiempos en que repartían su demo y Michi Oliva, histórico programador de la Rock and Pop, les decía lo mucho que aún les faltaba. Al respecto piensa también que muchas bandas hoy entran muy agrandadas.

“Me parece que las bandas nuevas son muy conformistas, lo sigo pensando. Sí es más fácil todo hoy pero tienen que saber cómo entrar, no entrar agrandados como creyendo que vos le estás llevando el descubrimiento del siglo al de la radio; anda nomás, acércate y nunca te piches porque no te pasa”, explica. Eso lo lleva a una anécdota de cuando llevó su demo al director de Radio Venus quien le dijo: “¿Qué es esto? ¿Rock nacional? Esto nunca va a sonar acá”. Le deslizó el demo sobre la mesa y le dijo: “Dedicate a otra cosa”. Cinco años después estaba en el Pilsen Rock y el organizador era el mismo. Walter se levanta y le dice “¿Vos te acordás que en esta misma oficina me dijiste que nunca iba a funcionar el rock nacional? Y acá estamos”.

Consideró además que en el camino hay que saber ser autocríticos y que ellos siempre lo fueron, concientes de que no son “músicos virtuosos ni de estudio”. “De hecho debemos ser de los peores músicos de la escena. Yo sé lo que tocan los perros pero nosotros fuimos directo al grano, a inventar, crear, siempre fuimos caraduras y creo que por eso logramos todo lo que hicimos. Hoy en día es más fácil pero hay mucha más competencia. Nosotros somos unos caraduras y nos pusimos las pilas en hacer lo mejor posible todo. Flou era lo primero en nuestra cabeza y creo que eso nos trajo a donde estamos hoy”, cierra.

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Flou: Sobre las olas del rock, siempre río arriba

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*“Still Sucks” o “Limp Bizkit Still Suck” es el nuevo trabajo de estudio de los gigantes del nü metal Limp Bizkit. El disco sale 10 años después de su anterior trabajo “Gold Cobra” y cuenta con la participación de todos los miembros originales de la banda: Fred Durst, Wes Borland, Sam Rivers, John Otto y DJ Lethal.*

Es el disco de más corta duración de la banda con aproximadamente 32 minutos de música. El trabajo fue en su mayoría autoproducido y salió el día de Halloween después de que Durst haga una encuesta en sus redes sociales. El cantante preguntó a la gente si querían que la banda lance un par de singles más o todo el disco y el resultado de la votación fue obvio porque es lo que ocurrió. El arte de tapa, como es costumbre, fue diseñado por el guitarrista Wes Borland.

*“No podemos cambiar el pasado, pero podemos hacer un nuevo mañana”* reza la primera línea que escuchamos decir a Fred en la canción **“Out of Style”** y que da inicio al álbum. A esa frase le sigue una demoledora pared de guitarras de mano Wes, sirviendo de un genial “opener” para el disco. El preámbulo de Durst da paso a DJ Lethal quien anuncia que el DJ volvió a la alineación y que se vienen esos scratchs que a todos los fans de Limp Bizkit nos gustan. En estas líneas recordamos que este tema ya fue tocado en vivo en un concierto de 2019 en París, Francia, bajo el nombre tentativo de **“Wasteoid”.**

El disco sigue su camino con **“Dirty Rotten Bizkit”,** el cual empieza con un riff que fácilmente nos remonta a los primeros discos de la banda. La canción, en líneas generales, se mantiene así a lo largo de todo el track. Este es de esos temas que arman grandes pogos en los conciertos mientras vuelan patadas y cervezas y, sin dudas, es un favorito del álbum. 

**“Dad Vibes”** fue el primer y único sencillo de este trabajo en ser lanzado previamente pues se reprodujo al final del set que la banda presentó en el festival Lollapalooza en Chicago, el 31 de Julio de este año, mientras Durst lanzaba remeras al público con su look de, por supuesto, “Dad Vibes”. El single saldría en plataformas digitales un mes después: el 30 de septiembre.

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**“Turn It Up, Bitch”** es ese tema rapero del disco que todo fan de Limp Bizkit sabe que habrá. Remontando a sonidos del hip hop de los 90 y un poco a su segundo álbum **“Significant Other”**, el tema es guiado por una línea repetitiva del bajista Sam Rivers mientras Durst hace lo propio sobre la base. La canción fue además usada como outro en varias presentaciones de la banda, dando a los asistentes de esos shows un pequeño spoiler del disco. 

**“Don’t Change”** es la sorpresa del disco por ser una balada súper tranquila que no es usual en los discos de Limp Bizkit. Es más, me animo a decir que desde **“Behind Blue Eyes”** (cover de The Who incluido en **“Result May Vary”** de 2003) la banda no había profundizado mucho en canciones tranquilas con guitarras acústicas. Coincidentemente lo volvieron a hacer con un cover pero esta vez de los INXS.

Siguiendo la calma de **“Don’t Change”** entra **“You Bring Out The Worst In Me”**, una tonada que sigue rememorando mucho al estilo de la banda en “Results May Vary” (primer y único disco sin el guitarrista Wes Borland) hasta que entra el coro que rompe con esas estructuras y te recuerda a qué banda estabas escuchando y que Borland volvió para quedarse. 

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**“Love The Hate”** es más bien un tema de pasada y es básicamente una conversación entre dos personas hablando mal de Limp Bizkit. De paso tiran una bomba hacia Eminem, que nada tenía que ver en la conversación, con la frase “Sure as fuck ain't no Eminem Looks like he's got Drake's pubes on his chin”. 

El viaje sigue con **“Barnacle”** que es una canción rockera que mucho no parece Limp Bizkit pero tampoco está lejos de no serlo. Tiene tintes de grunge con una postura **“Don’t give a fuck”** y que claramente generará los clásicos pogos en vivo. 

**“Empty Hole”** baja a continuación la energía entre dos canciones brutales pero, como siempre, los respiros son agradecidos y esta canción cumple con esa función, la de dar una sensación de tranquilidad hasta que en **“Pill Popper”** el señor Borland nos pone otra vez ante su gran muralla de riffs en una canción que roza lo industrial o quizás le pega al palo.

**“En Snacky Poo”** vuelve el hip hop noventero para darnos una última escucha de lo que Durst es capaz de hacer con un micrófono. La canción termina en una especie de entrevista a Borland y sirve como antesala a la última canción del disco: **“Goodbye”.**

Es entonces cuando nos damos cuenta que el esperado nuevo disco de Limp Bizkit tiene de todo para todos: potentes riffs, canciones para romper cosas, canciones para cantar en una fogata y canciones hip hoperas. Por lo que, de seguro, este trabajo tiene algo de lo que uno espera como fan de la banda.

Ahora ¿es su mejor álbum hasta la fecha? No lo creo. Pero tiene canciones que en vivo serán divertidas de ver y, aparte de eso, nos dieron una opción de balada triste para reemplazar la ya gastada “Behind Blue Eyes” y eso se agradece. **Pero entonces Limp Bizkit ¿Todavía apesta? Para mí nunca lo hizo.**

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Limp Bizkit: ¿Todavía apesta?

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Luego de que el line up del Asunciónico se diera a conocer una pregunta inundó las redes sociales: ¿Qué es un Machine Gun Kelly? En esta nota te contaremos un poco de quién es y de dónde quizás hayas escuchado el nombre.

Nacido como **Colson Baker** adoptó el nombre de **Machine Gun Kelly** en referencia a un famoso criminal estadounidense que llevaba dicho apodo. Colson relacionó eso a la velocidad con la que disparaba sus rimas ya que se inició en el mundo de la música como rapero. Así logró visibilidad gracias a un par de mixtapes que había lanzado en 2006 que llamaron la atención del productor **Jimmy Iovine** y el rapero y también productor **Sean “Diddy”** Combs quienes le hicieron firmar para el sello **Bad Boy, Interscope.**

Sus trabajos como rapero siempre fueron exitosos llegando a posicionarse en el top Billboard 200 (Lace Up #4, General Admission #4, Bloom #8 y Hotel Diablo #5). Pero no es hasta que decide dar un giro a su carrera y lanzarse como artista pop punk de la mano de ni más ni menos: **Travis Barker** (batero de Blink 182) como productor, que logra llegar a la cima del Billboard 200 con el álbum **“Tickets to my Downfall”.**

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Ahora, con todo ese bagaje te debería de sonar el nombre del artista. Puede que, quizás, de todos modos no, por eso aquí también te listamos otras razones más por las que tal vez hayas oído hablar de él.

**Es el novio de Megan Fox**

Esto casi se explica por el título mismo y es suficiente mérito como para que uno haga una búsqueda en Google y vea quién este chico rubio y tatuado que aparece llamando la atención junto a Megan Fox en cuanta alfombra roja haya. La forma excesivamente afectuosa con la que se muestran en público es algo que tampoco pasa desapercibido, ya que los besos apasionados y las manos más allá no faltan.

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**El meme “I’m Weed”**

En una entrevista que dio con su actual pareja, Megan Fox, para la revista británica GQ, contaron cómo se conocieron. Megan recordó que se acercó a él y le dijo “hueles a marihuana”, a lo que él respondió: “yo soy marihuana” (I’m weed en inglés). Los memes no se hicieron esperar.

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**Sus varios (muchos) enfrentamientos con otros artistas (aunque detallaremos dos)**

**Contra Eminem**

Machine Gun Kelly también es conocido por tener problemas con sus compañeros músicos, siendo la más conocida una batalla con **Eminem** que nos dio tres canciones en las que los raperos, cual cruce de campeones, se tiraban sus mejores rimas para desarmar a su adversario y un par de referencias más bajadas de tono e indirectas en otros discos. 

Todo empieza en **“Not Alike”** de Eminem, del disco **“Kamikaze”** (agosto 2018) en respuesta a un tuit en donde MGK llamó a la hija de Eminem “Hot as Fuck” o “Está re buena”, siendo que en ese momento tenía 16 años, lo cual hizo enojar a Marshall Mathers. 

La respuesta de parte de MGK no se hizo esperar y el 3 de septiembre de 2018 lanza **“Rap Devil”** burlándose del seudónimo de Eminem: **“Rap God”.** A eso Eminem vuelve a responder poco tiempo después, el 14 de septiembre, con **“Killshot”**, donde la portada del disco es una mira de arma apuntando directamente a Machine Gun Kelly. Así que si las letras no eran suficientes para asegurar que la canción trata sobre él la portada hizo que sea 100% seguro.

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Después de esos tracks tan directos ambos artistas se tiraron indirectas cual pareja recién separada en redes sociales. Siguió el enfrentamiento musical haciendo lo suyo MGK en la canción **“FLOOR 13”** de su disco **“Hotel Diablo”** y en el sencillo **“Bullets with Names”** en donde afirma haber “matado” al rapero rival. Eminem hizo lo propio en su último disco **“Music to be murdered by – Side B”** en los tracks **“Zeus”** y **“Gnat”** lo que concluyó con un tuit de MGK diciendo “I’m under your skin” (Estoy dentro de tu piel).

**Contra Slipknot**

Durante su presentación en el **Riot Fest**, en septiembre de este año, MGK hace una pausa en medio de su set para preguntarle a su audiencia: **“¿Saben qué me alegra no estar haciendo? Tener 50 años y usar una ridícula máscara en un escenario”.** Esto fue un ataque directo a la banda estadounidense **Slipknot** y, en especial, a su vocalista **Corey Taylor.** En ese mismo momento ellos empezaban a tocar en el escenario opuesto del festival, lo que ocasionó que una parte de la multitud que estaba viendo a MGK vaya al escenario donde los oriundos de Iowa empezaban su show.

Pero el comentario no solo vino de ese acontecimiento, ya que en una entrevista a Taylor meses antes él había hablado sobre artistas que no lo lograron en un género y decidieron hacerse rockeros, haciendo referencia a MGK. Como siempre el rapero tomó su cuenta de Twitter luego del dicho y expresó que Corey estaba resentido por una colaboración que no sucedió entre ellos para “Tickets to my Downfall”.

Según MGK el verso de Corey “apestaba” y no lo usaron en el álbum. Pero Corey también tomó Twitter para limpiar su nombre y compartió dos capturas de pantalla que mostraban un intercambio de mails con el productor de MGK: Travis Barker. Taylor explicaba a Barker que las demandas de MGK no le parecían correctas en cuanto al verso de la canción y que él sencillamente no era el hombre para ese tema.

Todo pudo haber terminado ahí pero lo que MGK no sabía (o sí sabía pero no le importaba) era la intensidad de los fans de Slipknot, llamados “Maggots”, quienes en cada presentación del artista ahora pop punk en festivales lo abuchean con el dedo del medio levantado y en algunas ocasiones hasta tirando objetos al artista ¿Se dará esa situación en el Asunciónico?

- MGK da vida al personaje **Felix** en la película “Bird Box”, dirigida por Susanne Bier y protagonizada por **Sandra Bullock.** En el filme es (spoiler alert) el chico que se roba el único vehículo escapando con Lucy y dejando a los personajes principales a su suerte.

- MGK pone a prueba sus dotes de actor interpretando a **Tomy Lee**, famoso baterista de **Mötley Crüe** en la biopic de la banda **“The Dirt”** lanzada en la plataforma de streaming **Netflix**. Si sos fan del hard rock o el glam metal seguro la viste o incluso si no te perdés de mirar cualquier estreno de Netflix.

![The_Dirt-382619923-large.jpg](/uploads/The_Dirt_382619923_large_73da9e2640.jpg)

“Alone” con Sleeping with Sirens

“No More Sad Songs” con Little Mix

“Bad Things” con Camila cabello

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Para el autor de esta nota estar en el ciclo de entrevistas **“Hot Ones” con Sean Evans** es un mérito más que válido para decir que lo lograste o lo estás logrando. En uno de los primeros programas de estas picantes entrevistas de YouTube Evans tuvo a MGK en el “hot seat”, específicamente el 11 de junio de 2015. 

Además de eso fue el primer invitado en volver a hacer el programa unos años después. Y como “random fact” de “Hot Ones”: MGK fue quien inventó el **“last dab”.** Para aquellos que son fans de las entrevistas de Sean saben que es tradición ponerle un poco más de picante a la última alita y eso hasta el día de la fecha se lo debemos al Sr. MGK.


En conclusión, Machine Gun Kelly no se hizo de la noche a la mañana. No es solo un rapero, no es solo el nuevo mesías del pop punk bendecido por su alteza, el todopoderoso Travis Barker y tampoco es solamente el novio de Megan Fox (aunque quien pudiera la verdad). Es un artista más que a hoy está en lo más alto de su carrera. Es por estamos espectantes a que este 22 de marzo pise tierra guaraní por primera vez. 

Ahora, la interrogante que de verdad importa: ¿viene Travis Barker como su baterista o será el baterista de gira JP “Rook” Cappelletty? Supongo que solo el tiempo lo dirá.

Mientras tanto escuchá nuestra playlist donde intentaremos predecir el setlist en Paraguay de Machine Gun Kelly:


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¿Quién es Colson Baker?

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La tercera entrega de los lanzamientos Cultura Blend tiene como protagonista una vez más a la diversidad. Es, definitivamente, un motivo de celebración el ser partícipes de una era musical que no tiene prejuicios hacia los diferentes estilos y que, mejor aún, esté sucediendo eso en Paraguay.

Esta vez nos conmovemos y viajamos con **“Las líneas”, de Ciudad Mansa**; salimos a bailar al mismo tiempo que nos empoderamos con **“Bay City”, de Ross y First Paraguayan on the Moon**, y finalmente reflexionamos sobre una ruptura con **“Atrás del auto”, de Maitei.**

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Ciudad Mansa presenta "Las líneas", un tema que explora el momento justo en las historias donde se pasa de la tristeza a la alegría, del dolor al alivio, el antes y el después de un evento en el tiempo, explorando en dualidad el sentir humano. 

La nueva canción cuenta con el registro audiovisual de un videoclip grabado en el emblemático Teatro Municipal de Asunción "Ignacio A. Pane" bajo la dirección, fotografía y montaje de Joaquín Aguirre (Lifegaze).

El tema se desarrolla en un 6/8 coqueteando tímidamente, tal vez, con una polka paraguaya con guitarras de la mano de Afi Ferreiro (Paiko), una melodía vocal que se pasea sobre los arreglos como queriendo ser una balada pop, y el toque de nostalgia de la delicada viola de Ale Leju (Trío Blue).

"Esta música busca generar conexión con sentimientos muy naturales en las personas: el acto mismo de soltar y seguir creciendo. Es parte del álbum debut de Ciudad Mansa, en el que la banda explora sus distintas facetas compositivas, fusionando mezclas de estilos variadas", explica Seba Elizeche, compositor, guitarrista y vocalista.

Añade que "la canción es completamente acústica: hay guitarra criolla, acústica, viola y percusiones". Seba explica que "en la búsqueda de transmitir la cierta nostalgia del mensaje, se recurre a una suerte de balada en 6/8 sin instrumentos digitales y una mezcla de simpleza sonora por partes y grandilocuencia en otras. El tema se desarrolla in crecendo, representando el crecimiento de un punto al otro". 

Este tema, espera Seba, representará "una mayor madurez en la forma de escribir canciones" y habla de "cómo nos relacionamos con nuestro arte y cómo nos exigimos para hablar de maneras nuevas, sobre los sentimientos de siempre, probando nuevos estilo para hacer las cosas".

**Sobre Ciudad Mansa**

Ciudad Mansa se integra con Seba Elizeche en la voz, Matías Cipolla en la batería, Stefi Campuzano en el bajo, Renato Cáceres en las teclas y Diego Serafini en la guitarra y voces.

"La banda se junta (sin el nombre aún) a finales de 2019, tras un hiato indefinido de la anterior banda de Seba Elizeche y Stefi Campuzano, "Nine bits", coincidiendo con Matías Cipolla y Renato Cáceres, que formaban parte de la banda de Retobad0 (rapero de Encarnación)", cuenta Seba. 

"El proyecto que fue formado para darse a conocer en 2020 se vio, como todo el medio artístico, afectado por la pandemia. El nombre nace en este momento donde se detiene todo, haciendo alusión a la imagen de la ciudad de Asunción vacía en fase cero y usando un momento malo como motor creativo", explica también. 

La banda decide unir fuerzas con Diego Serafini como productor, y posteriormente se une a la banda como guitarrista. Grabamos un álbum a lo largo de 2020 y las primeras impresiones se dan con el doble sencillo "5.50/Esto es todo", lanzado el 21 de mayo de este año.

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El cantante asunceno Maitei nos presenta su nuevo tema "Atrás del auto". En el baño de su facultad, mientras debería estar asisitiendo a clases, es como escribió la canción que relata el exacto momento y describe las señales de que una relación se está enfriando, cuando solamente ya falta oficializar la ruptura. La producción es de Luigi Manzoni (Billow Ma) y el video fue realizado por el mismo Maitei.

"Personalmente creo que durante esa etapa se sufre y duele mucho más que cuando oficialmente terminás la relación, porque sentís que no podés hacer nada, no sabés si estás haciendo bien o mal y esa ansiedad e incertidumbre te come toda la cabeza", relata el artista sobre su canción.

Maitei explica que "Atrás del auto" es un single suelto y que aún no hay planes concretos para un EP o álbum. "Es una mezcla entre indie pop, alt-pop, pop-latino, rock-pop; nunca sé en qué género poner a mi música", se sincera entre risas el artista.

"Sinceramente no tenía planeado lanzar esta música todavía, pero como se dio organizar el primer concierto, y no me imaginaba un setlist en vivo sin "Atrás del auto", afirma Maitei quien se presentará el jueves 4 de noviembre en el Café del Teatro Municipal (Pdte. Franco esq. Alberdi) a las 20:00. 

Cuenta tambien que este nuevo tema es el favorito de su productor Luigi Manzoni, y que eligió el color azul para representar la promoción del tema porque transmite "el frío, que es lo que sentí antes de que la relación que inspiró la música terminara: que todo se estaba enfriando".

**Sobre Maitei**

Maitei nació en 1998, en Asunción, Paraguay. Su nombre está en guaraní y significa saludo. Empezó a escribir canciones a los 13 años, como una forma de catarsis, motivo que se mantiene hasta hoy. Sus influencias principales son Halsey, Taylor Swift, Dominic Fike, Omar Apollo, Bad Bunny entre otros.

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“Bay City” es el nombre de la nueva canción de la cantante Ross en colaboración con el productor First Paraguayan on The Moon (FPOM), ambos encarnacenos. El tema, que cierra una seguidilla de singles antes de lanzar su primer EP, ya está disponible en plataformas digitales.

La canción “nace de la necesidad de expresar una idea ajena al romanticismo típico”, explica la cantante, quien también escribió la letra de esta canción como parte de mostrar “cómo se ve la vida” a través de sus ojos. 

Grabado y producido en el estudio de FPOM, alter ego del músico, compositor y productor Carlos Dentice, en Encarnación, en este nuevo sencillo Ross divierte y hace alusión a disfrutar del dinero que va y viene sin importar en qué sea gastado.

Ella no es “muy fan” de las letras románticas, según expresa, por lo que siempre se encuentra dándole vueltas a sus sentimientos. Esta vez su propia vida la llevó a reflexionar en el camino de sacrificios personales que uno atraviesa para tener una cierta comodidad.

“Como persona trabajadora, en especial mujer trabajadora, me costó mucho poder lograr una semi independencia financiera. Crecí en una familia de clase media donde vivíamos bien pero siempre con lo justo. Creo que esto es lo que me lleva tanto a apreciar y agradecer porque soy capaz de hoy en día darme a mí misma todo lo que necesite o desee”. Todo eso la llevó a gestar “Bay City”.

Con este tema ella se dio “el lujo de fantasear con una vida lujosa pero, a la vez, simple y cómoda”. La canción habla de eso entre el español y el inglés, idiomas con los que se siente cómoda. “El dinero va, el dinero viene” dice una parte de la canción porque es como ella piensa. “Si bien no tengo una capacidad económica abundante y mucho menos viajo en jet privado, me gusta creer que tengo el poder de conseguir lo que me proponga si sigo trabajando como lo hago, con compromiso y disfrutando cuando pueda hacerlo”, afirma.

“No me visto caro, I don’t care” dice su voz que viaja entre una fusión de funk y electro pop. Ella canta orgullosa inspirada sobre su independencia económica, un tema que no es muy abordado ni explorado en canciones hoy en día pero ella, como mujer empoderada, proclama eso pensando también en agradecer a sus padres quienes le enseñaron “a trabajar por todo aquello que quiera tener sin deberle nada a nadie”.

Hace seis años trabaja, rememora, y dice que al principio apenas podía comprarse un par de ropas y ayudar en su casa. La responsabilidad es otro valor que destaca y que le hizo ascender laboralmente. “Considero que es un privilegio muy grande en este país tener un trabajo estable y sostenerlo aún después de una pandemia”. No le importa vestirse caro ya que con el tiempo se dio cuenta de lo afortunada que es por “no deberle nada a nadie, de poder pagar un auto usado, comprarme ropa de segunda mano y comer ramen con mis amigues un día cualquiera sin que nadie me cuestione al respecto. Lograr todo eso a mi edad ya es un orgullo, el resto es avaricia como dice el meme”, bromea.

“Bay City” es además un nombre en homenaje a dos canciones del género pop japonés de la década de los 80 de las cuales ella es gran fan. “En esas canciones mencionan a la “Bay City” con la misma pronunciación que lo hago yo en la canción. Realmente espero que las personas puedan más que nada disfrutar de lo que escuchan y sentir la alegría que le puse al proceso. Estoy muy orgullosa de lo que pude expresar porque no soy una compositora prodigio, soy una simple persona que pone todo su esfuerzo en encontrar las palabras justas para entregar mensajes optimistas y empoderantes cuando se pueda”, reflexiona.

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